Nos expositions passées
Isabelle Nouwynck
Du 24 mai au 15 juin 2025
Entre présences
L’exposition présentée propose une réflexion picturale et poétique sur l’œuvre d’Isabelle Nouwynck, explorant ses inspirations, sa démarche artistique et son rapport aux éléments naturels et culturels au fil des années.
Son approche picturale s’apparente à une quête initiatique, où les formes ne sont pas simplement représentatives, mais participent à une présence, à un dialogue avec l’espace et le spectateur. Ses séries, ancrées dans l’humain et s’ouvrant au paysage, mêlent couleurs subjectives et sables récoltés lors de ses déambulations, éléments omniprésents dans ses compositions.
Cette quête rejoint le cheminement évoqué par Herman Hesse, qui dépasse le simple déplacement géographique pour devenir un voyage intérieur, où l’expérience du monde, la solitude, la souffrance et la contemplation façonnent l’être. À travers ses différentes séries, Isabelle Nouwynck interroge notre propre parcours initiatique, affirmant que nous avons toujours le pouvoir de choisir, sans jamais rompre avec nous-mêmes.
Puisant son inspiration au-delà de l’Occident, elle explore les arts anciens d’Amérique latine, d’Afrique et d’Asie, où elle perçoit des possibilités infinies. Dans son œuvre comme dans ces cultures, la pensée guide inconsciemment la mise en peinture des formes. Celles-ci ne s’arrêtent pas à leurs contours : elles sont des « Gestalt », des présences qui se révèlent de l’intérieur. Elles ne représentent pas un sujet, mais servent une aura, un souffle qui rythme, émeut et poétise l’espace.
Cette approche fait écho à la pensée orientale, notamment à la peinture chinoise, ainsi qu’au travail du philosophe Henri Maldiney, trop peu connu. Ce dernier affirmait que « l’art est la perfection des formes imparfaites », et que « la peinture peut être une entrée en présence dans l’ouvert ». De même, chez Isabelle Nouwynck, la figure devient une ouverture. Son œuvre invite à s’y confronter librement, à accueillir ces formes selon sa propre sensibilité.
À l’instar de la poésie, où le dernier mot éclaire le premier, la peinture contient toutes les formes possibles, à la manière d’une monade.
Si la plupart de ses œuvres sont réalisées en atelier, leur inspiration vient d’ailleurs. Certaines séries sont conçues avec du sable collecté au gré de ses promenades dans la nature ou même dans un bac à sable pour enfants. Elle peint également face à l’océan, y puisant l’eau pour l’intégrer à ses toiles, qu’elle recouvre ensuite de sable, s’immergeant totalement dans ces éléments naturels.
Les montagnes occupent aussi une place essentielle dans son imaginaire. Fascinée par les reliefs de la Drôme et des Pyrénées, elle est particulièrement attirée par le Pic d’Anie, dont l’ascension de quatre heures à travers un océan de pierres calcaires exerce sur elle une véritable aimantation. Cette montagne devient alors le sujet central d’une série de peintures. Cependant, elle ne la restitue pas dans ses moindres détails, mais en propose une évocation mouvante, en variations et en brumes, comme un tourbillon des sommets, un vertige du paysage. À l’image de Cézanne, qui peignait la montagne Sainte-Victoire sous l’emprise d’une fascination pure, Isabelle Nouwynck traduit en peinture l’émotion brute que lui inspire ce sommet.
À travers ces références et ces explorations, son art s’inscrit dans une tradition tout en ouvrant de nouvelles voies. Son usage du sable, de l’eau et du paysage traduit un lien intime avec la nature, retranscrit par une approche sensorielle, méditative et poétique.
Enfin, cette ligne d’œuvres se nourrit aussi de la poésie : l’artiste a collaboré et illustré les recueils de plusieurs poètes, dont Philippe Lekeuche, Véronique Wautier et Christophe Mahy.
Malaika Khan et Amandine Lamand
Du 08 mars au 04 mai 2025
Échos de gestes
Cette exposition réunit deux artistes : Malaika Khan (vit et travaille à Bruxelles), émergente, et Amandine Lamand (vit et enseigne les arts textiles à l’Académie de Namur) plus confirmée. Toutes deux explorent la matière, les disciplines et le mouvement du geste, à la fois spécifique et répété, générant des formes qui se tissent, se lient, s’entrelacent et se transposent.
C’est par leur capacité à rendre perceptible l’imperceptible et dans la mémoire du geste que se noue le lien entre leurs œuvres. Ce lien, fragile et visible à la fois, se déploie dans l’espace d’exposition, invitant le regard à s’attarder sur ces rythmes silencieux où la matière se transforme et dialogue avec le vide.
Malaika Khan – L’Art du Geste et de la Matière
En observant la matière réagir à ses gestes, elle découvre un potentiel infini de variations. Chaque forme naît dans l’instant et se transforme aussitôt, dans un mouvement incessant de déploiement, de réorganisation, de prolifération. Ce processus évoque le cycle du vivant, cet équilibre fragile entre ce qu’elle peut maîtriser et ce qui lui échappe. Entre le contrôle et l’autonomie de la matière se tisse une tension féconde, un dialogue silencieux où se construit un espace vibrant.
L’idée de flux est essentielle dans sa démarche; Le flux est cette circulation invisible entre le matériau, le geste et l’espace. Il est ce souffle qui unit l’intérieur et l’extérieur, ce lien mouvant entre la matière et son environnement. Rien n’est cloisonné : tout respire, interagit, se répond. Dans une dynamique fluide, organique, chaque élément trouve sa place dans un équilibre toujours en mouvement. Fil de coton, fil de lin, papier, moelle de rotin, cuir… Chaque matériau devient le prolongement d’un geste, une empreinte du dialogue silencieux entre l’artiste et son œuvre. Par superposition, tension et entrelacs, elle tisse des récits où la fragilité côtoie la force, où la légèreté épouse la densité.
Le papier, lui, n’est pas une simple surface d’attente, figée et passive. Il devient acteur du processus, partenaire vivant d’une expérimentation sensible. Au contact de l’eau, il s’anime, se gondole, se plisse, se tend. Il porte en lui la mémoire du geste, comme une peau marquée par le temps et les émotions. Chaque pli, chaque empreinte, chaque tension raconte une histoire, celle d’une rencontre intime entre la main et la matière. C’est un échange presque charnel, une fusion où le dessin ne se limite pas à un tracé, mais devient le témoignage d’un dialogue organique, d’un souffle partagé.
Dans son travail, l’invisible prend forme, le geste se fait langage, et la matière, loin d’être contrainte, révèle sa poésie propre.
Amandine Lamand – Entre Fil et Mémoire
À la croisée du textile, du dessin et de la sculpture, le travail d’Amandine Lamand explore la matérialité et la porosité entre les disciplines. Par le fil, le trait, le pli, elle interroge les limites du regard et la manière dont la matière se transforme, se déploie, s’efface. Chaque geste inscrit une mémoire, chaque entrelacs capture un instant, un équilibre précaire entre ce qui se voit et ce qui se devine.
Les surfaces se plient, se creusent, se délient. Les matériaux s’entrelacent et se métamorphosent : le papier évoque le textile, le trait devient fil, le fil se fait écriture ou sculpture. Tout oscille entre présence et disparition, entre réalité et illusion. Elle tisse un espace où le regard vacille, où les limites se brouillent, où le temps suspend son cours.
Au cœur de cette exploration, le fil est une tension : trace et faille, lien et fracture, frontière mouvante entre l’invisible et le tangible. Il s’étire entre force et fragilité, continuité et rupture, générant un dialogue subtil entre structure et mouvement.
Les gestes répétés – tracer, découper, tisser, plier, graver – sont autant d’inscriptions d’une mémoire, autant de rythmes silencieux qui animent la matière comme une respiration. L’espace devient un territoire intime, où chaque élément se révèle progressivement, échappant à l’évidence.
Dans cet entre-deux, le visible vacille, ralentissant le regard, invitant à scruter, à se perdre dans ce qui persiste sans se dévoiler entièrement. Amandine Lamand cherche à matérialiser le lien, à rendre sensible l’imperceptible, à inscrire la mémoire des tensions et des silences dans le fil en perpétuel mouvement. Avec ses œuvres, Amandine Lamand nous invite à percevoir ce qui, d’ordinaire, échappe.
Sandra Velarde
Le travail de Sandra Velarde Gonzalez (née en 1976, artiste – graphiste, vit à Walhain) s’inscrit dans une démarche poétique engagée, où les matériaux et techniques explorent des dualités fondamentales: visible/invisible, intérieur/extérieur, intime/collectif.
Le filet , au cœur de sa pratique, est une métaphore puissante, symbolisant à la fois protection et contrainte, dévoilement et dissimulation. Ce matériau, à la fois fragile et robuste, agit comme une frontière poreuse entre des mondes opposés ou complémentaires.
Dans ses images, le masque posé sur le visage d’une jeune femme, en transparence, interroge la perception et la représentation dans l’espace intime et public. Il protège sans réellement cacher, laissant passer la lumière et les regards, la fragile protection face au monde extérieur pose une limite symbolique. Ce masque joue également sur une ambiguïté, laissant entrevoir certaines parties du visage tout en dissimulant les autres. Cette tension entre le visible et l’invisible peut refléter différentes facettes de nos identités, souvent exposées ou protégées selon les contextes sociaux ou personnels.
En utilisant des matériaux recyclés et des résidus du quotidien, elle interroge non seulement notre rapport à l’esthétique et à l’artisanat, mais également les notions de valeur et de durabilité. Ces créations sont teintées d’une sensualité discrète, associant des matériaux délicats: textiles dentelle, bas nylon ou des filets de citrons et d’oranges.
Dans ses carnets textiles cousus main, ce qui est considéré comme imparfait ou inutile dans notre société consumériste trouve une nouvelle vie dans ses créations. Comme une invitation à revoir les notions de «perfection» et de «beauté», qui, par le passé, imposaient des normes rigides où l’envers des œuvres textiles devait être impeccable.
Sa «technique libre et dans les marges» résonne avec une certaine philosophie de l’art contemporain où l’improvisation et l’irrégularité ont toute leur place dans le processus de création, offrant une liberté qui déconstruit les codes classiques, tout en ouvrant un dialogue sur l’imperfection comme acte esthétique et politique.
lien vers le site de l’artiste : https://hilo-y.tumblr.com
Cécilia Shishan
Du 01 au 23 février 2025
Cécilia Shishan peint l’enfance et l’adolescence, périodes intenses et formatrices, souvent marquées par des émotions complexes et des souvenirs troubles.
Sa démarche s’articule autour d’une représentation subtile de récits de vie, elle peint les strates invisibles des expériences enfantines. Les peurs, les angoisses, les souffrances vécues par les enfants et en particulier par les filles.
Dans certaines de ses peintures, les face-à-face mettent en scène des adolescents dans une posture presque duelle. Ces compositions traduisent les tensions où les relations interpersonnelles deviennent miroirs de forces et de vulnérabilités. Ces duels implicites reflètent les conflits identitaires et émotionnels de cet âge charnière.
Dans d’autres œuvres, des personnages sont isolés, pris par leurs émotions. Cette solitude visuelle amplifie le poids des souvenirs et des sentiments les plaçant au cœur de l’œuvre, comme une réflexion sur la fragilité et la complexité de l’être en devenir. À travers des choix de couleurs vibrantes et des jeux de transparences, Cécilia Shishan cherche à traduire les ambiguïtés.
Dans ses peintures centrées sur des jeunes pratiquant le skateboard, elle explore une facette unique de l’adolescence féminine, où le sport devient un espace d’émancipation et de solidarité. Contrairement à l’image traditionnelle du skateboard, associée à la compétition masculine et à la domination de l’espace public, ces œuvres célèbrent une approche féminine axée sur le rapprochement social et la création de liens. Les jeunes filles glissent sur des planches, dans un instantané de liberté; métaphore de quête d’équilibre, de mouvement et d’affirmation personnelle. Avec des couleurs vives et le geste fluide, elle traduit à la fois la légèreté et la détermination, suggérant aussi un moment de répit et d’autonomie dans une société encore largement influencée par les normes patriarcales.
Ces scènes s’intègrent dans sa démarche globale, interrogeant les défis de la jeunesse. Ses peintures illustrent la capacité des adolescentes à se ré-approprier des espaces traditionnellement masculins, à se libérer des attentes rigides de la société et à construire des identités dans un monde souvent hostile à leurs aspirations. Ce parallèle avec le reste de son œuvre montre comment, dans cet univers, les jeunes générations deviennent des vecteurs de transformation, révélant les tensions et les potentialités d’une jeunesse à la fois vulnérable et résiliante.
Par des couches multiples de peinture, jouant avec les textures et les transparences pour suggérer l’accumulation des souvenirs, elle convoque l’abstraction, par des coulées, des éclaboussures ou des traces, perturbe la perception initiale, reflétant le flou des souvenirs d’enfance et les émotions imprévisibles des jeunes années.
Avec rigueur, énergie et une curiosité insatiable, elle mène depuis de nombreuses années ses recherches en interrogeant et célébrant l’enfance et l’adolescence, les peignant comme des périodes d’intense introspection, miroirs de nos mémoires et émotions.
Small to(o) Small
Exposition pour fêter les 5 ans de la galerie
18 artistes participant, avec de petits formats
08-15 décembre 2024
Michely Bossuyt Léon
Feu sacré
Du 9 novembre au 1 décembre 2024
Ce projet a pris naissance en juillet 2023, lors d’un voyage d’un mois en Colombie. Ce séjour m’a saisi ; ce fut un véritable choc visuel, une expérience intense pour ma rétine, notamment par la beauté des paysages et la richesse des formes que j’ai pu observer. Tout ce que j’ai vu là-bas semblait me traverser, comme si mes yeux redécouvraient le monde. La nature omniprésente dominait tout le reste.
Curieusement, durant ce voyage, je n’ai presque pas ressenti le besoin de dessiner. Toute mon intention était tournée vers l’observation. Je m’efforçais à fixer dans ma mémoire les formes des nuages et les éléments qui m’entouraient, avec l’idée de les retranscrire plus tard, une fois rentré en Belgique. Sans savoir exactement comment aborder cela, j’ai alors élaboré un processus rituel actif de dessin à l’encre de Chine.
Mon approche repose sur un jeu d’interactions délicates. J’humidifie le papier et, avec un pinceau, je laisse l’encre s’y faufiler, influencée par la rapidité de mes gestes. La rapidité est un facteur crucial, car elle influence la répartition de l’encre, tout comme la température de l’air et même les courants invisibles du vent. Le papier mouillé devient alors une surface malléable, soumise à des forces que je ne maîtrise pas entièrement : gravité, pliages, courbures. C’est un dialogue entre l’outil, l’imprévisible et l’aléatoire.
Durant ce processus, je cherchais constamment à faire ressurgir les souvenirs qui me restaient de la Colombie. Tenter de retrouver ce que j’avais vu là-bas. Les souvenirs se transforment à chaque fois qu’on y repense, ils deviennent mouvants. Ce qui m’attire, ce sont les images qui surgissent sans avertir.
Ainsi, mon travail repose sur une recherche d’images à travers ces souvenirs, mais sans chercher à les reproduire fidèlement. Ce que je poursuis, c’est l’inconnu. Les images doivent me surprendre. Celles que je connais déjà ne m’intéressent pas.
Cette exposition présente des dessins récents, des gravures et des photographies issus d’un voyage au coeur du paysage et du vivant .
Anne Liebhaberg
Creuser/grimper
Du 21 septembre au 13 octobre 2024
Tantôt glace, tantôt terre, les créations d’Anne Liebhaberg tracent des lignes et des pics, où fluctuent des formes mouvantes qui surgissent, s’effacent, se superposent, s’imbriquent, libérant les usages des médiums.
« L’exploration des espaces d’isolement comme les îles, les sommets montagneux, les cabanes aboutissent à une synthèse dans l’écriture : au départ d’une forme plutôt narrative et figurative, la ligne droite et la forme triangulaire se sont imposées. Le triangle ressort comme une forme emblématique où l’axe vertical et l’enracinement sont sous-jacents, s’imposant comme une nécessité vitale ».
Elle suggère une poésie du dehors et du dedans portée par les formes. Des vagues s’écrasant puissamment sur les rivages pour y laisser un imprimé sur l’écume. Ecumes tracées jour après jour, et aussi traces des blocs de glace flottant, fondant à la surface des immenses espaces planétaires menacés. Le geste met sous silence le paysage, fragment, probablement voué à disparaître.
Une longue suite d’échos se poursuit entre les œuvres exposées, des échos ou des ondes, qui se propagent à travers les éléments visuels; les images et les volumes émergent silencieusement.
Les photographies de bunkers font suite à sa série photographique noir et blanc « Cabanes » où l’objet décontextualisé met en évidence un volume sculptural. Il n’y a pas de cabane ou de bunker mitoyen, l’image nous mène autour de cette solitude centrée qui médite hors du monde. Un univers silencieux. Une vie est-elle possible dans ces abris sans fenêtres ni portes pour permettre à la lumière d’y entrer ou de regarder par dehors?
Mais le bunker ne renvoie pas à un simple lieu de passage anodin dans la campagne ; s’il est aussi lieu de retrait, cette fois il témoigne des grands conflits du passé. Mémoire de l’ineffaçable. Sculpture-trace de l’enfermement, il n’offre aucun ailleurs. L’atmosphère terrestre pourrait venir à manquer.
Images insondables aussi sur lesquelles elle dessine, avec des traits qui invitent à recommencer à imaginer le refuge pour y vivre ? Comme le souligne Anne Liebhaberg, « Le chaos généré par ces constructions qui se fracturent suite aux glissements de terrain amènent à traiter les formes, les volumes de façon toujours sculpturale (puisque la genèse de mon travail est la pratique de la sculpture) mais radicale. C’est là que le volume, le trait et la photographie s’entremêlent de façon intime ».
Au milieu de ces montagnes, bunkers, rochers, elle creuse les terres comme pour trouver un abri ; au départ de sculptures en terre cuite, le papier marouflé noir et blanc apportent un nouveau point de vue à son travail.
De dépouillement en dépouillement des formes, elle nous mène à l’absolu du refuge. Refuge de solitude si fort, si primitif que ces images leur confèrent une ambiance de sérénité.
Ad Odysseia
Du 26 mai au 16 juin 2024
Camille Holdermann
Khloé Lagarde
Ad Odysseia, une invitation à la rencontre de deux univers qui s’associent pour cette exposition à l’Espace 001
Entre dessins aux crayons de couleurs, stylo bille et aquarelle, Camille Holdermann présente son univers aux multiples facettes, mêlant à la fois monde onirique, personnages dissimulés dans des végétations luxuriantes et bestiaires fantastiques aux couleurs acidulées. Une tentative d’exploration dans lequel l’artiste brouille peu à peu les pistes entre rêve et réalité.
Camille Holdermann est titulaire depuis 2017 d’un bachelor en dessin à La Cambre, tatoueur, il a obtenu en 2022 un master 2 en didactique, spécialité dessin, aux Beaux-Arts de Bruxelles. https://www.camilleholdermann.com/
Khloé Lagarde, artiste textile, travaille essentiellement le rapport entre couleur et lumière, l’étude des illusions d’optique, des manifestations de perturbation visuelles, et de la vibration d’une image fixe. A l’aide de son métier à tisser, elle fabrique des tableaux textiles, mais aussi des pièces plus monumentales et placées dans l’espace.
A la rencontre entre peinture, collage, et fils de chaîne, ses pièces présentent de nombreux médiums, composées de multitudes métamorphoses chromatiques, qui évoquent un univers psychédélique, géométrique, didactique. Elle invite le spectateur à l’observation, à la méditation, en observant les lignes et les couleurs se métamorphoser au gré de ses mouvements dans l’espace, et de son regard. Entre immobilité et mouvement, ses oeuvres crééent la surprise, produisent des effets d’optique activés par les déambulations au sein des espaces que Khloé Lagarde fabrique. https://www.instagram.com/khloe.textile/
Matière grise
Du 14 avril au 11 mai 24
Solina Denis, Pablo Harcq, Sarah Minutillo, Nayla Olivera. Quel point commun ? Le point de contact entre un crayon noir et une feuille blanche. Que se produit-il à partir de ce point ? La matière grise.
Carte blanche d’Espace 001 à Benoît Félix.
Dominique Baudon
Du 11 au 31 mars 24
Petites histoires de l’art
Dominique Baudon (1961) crée des mondes en papiers assemblés, froissés, chiffonnés, parfois brulés; elle intervient, dessine, découpe, colle à partir de représentations de tableaux classiques ou contemporains. Celles-ci sont ensuite reproduites, voire multipliées puis collées pour devenir volumes.
Avec des techniques qu’elle maîtrise à merveille, elle propose une réflexion sur notre société, l’art, les images; non sans humour, inquiétudes, cruautés, érotisme, tendresse ou poésie.
La série des « petites histoires de l’art » nous convie à partir d’expériences, de voyages, visites de musées, expositions, revues d’art; et questionne le marché, la transmission de l’art et de la culture. Dominique Baudon désacralise les oeuvres, morcelle les icônes, déshumanise les Vierges à l’enfant. Assemblages , triturations multiples, pliages divers et variés, autant de cosmogonies qui invitent à réfléchir l’idée de la reproduction.
Sa pratique du collage, du dessin et du chiffonnage est répétitive. Elle puise dans ses contemplations de la nature, les vibrations du végétal, du minéral, ces petites choses colorées observées durant ses marches.
Dominique Baudon est actuellement professeure de Dessin et de Pratiques expérimentales à l’Académie des Beaux-arts d’Arlon. Elle expose et donne des stages en Belgique et à l’étranger depuis des années.
Brieuc Dufour & florence Libotte
Du 04 au 25 février 2024
Meeting Point.s
Accrochage point.s de rencontre entre deux démarches expérimentales et intuitives, Brieuc Dufour dans le domaine de l’image imprimée, et florence Libotte dans le champ du dessin.
Ce qui les rapproche dans leur processus de travail est l’ouverture aux possibles de leurs media: processus exploratoires, dans lesquels l’impromptu, la récolte/récupération, la déconstruction/reconstruction, l’accident et l’altération entrent en jeu, à différentes étapes.
Travail aussi pour chacun où rien n’est fixé à l’avance ni ne s’explique de manière définitive, mais plutôt se vit, où le sens demeure ouvert et multiple, terrain de résonances, évocations et potentialités.
GEOFFROY MOTTART
Du 11 nov. au 3 déc. 2023
3 flerissements dans l’espace public/ ville de LLN :
10 – 18 novembre 2023 (+/- ) en fonction du maintien des fleurs
Nous avons le plaisir de vous inviter à l’inauguration – performance de Geoffroy Mottart dans l’espace public de LLN. Le parcours s’inaugure à la sculpture-banc de Yves du Monceau au lac de LLN à 10h le 10 nov. 23. Nous remontrons vers le fleurissement 2 au parking des bus et 3 la femme assise à l’esplanade pour terminer d’accompagner la performance de mise en place des fleurs par l’artiste. Le parcours devrait durer 1h30 max.
Geoffroy Mottart présente 3 interventions florales sur des sculptures en bronze dans l’espace public à Louvain-la-Neuve. Par ses performances, il donne une nouvelle vie, un souffle d’originalité aux statues oubliées, qui ne suscitent plus l’intérêt des passants, tout en fleurissant les lieux publics.
De plus en plus de personnes passent devant ces témoignages d’un autre temps qui nous relie à ce qui fait partie de notre héritage culturel. Ses interventions éphémères sont un moment de s’ancrer en imaginant l’histoire, c’est-à-dire la nôtre au moment d’être là.
Un événement artistique organisé par Espace 001, soutenu par la Fédération Wallonie-Bruxelles, la Province du Brabant-Wallon et la Commune de Louvain-la-Neuve. Merci à la famille du Monceau, l’Esplanade, Gigi Warny pour leur aimable autorisation et collaboration.
Expo de sculptures & dessins à la galerie Espace 001
11 nov. – 3 déc. 23
Geoffroy Mottart oeuvre la plupart du temps avec des matériaux vivants, qui avec le temps sont amenés à se modifier. Les fleurs se fanent, elle rétrécissent, la terre est friable, elle s’érode.
A la galerie, l’artiste expose des images de ses fleurissements passés mais aussi un ensemble de sculptures en plâtre, terre ou faïence et des dessins automatiques sur papier. Il travaille ces différents matériaux par la répétition et l’accumulation d’un même geste. Comme pour les fleurs, il s’agit de matériaux fragiles, éphémères. L’intention est de poser un geste sur ces matériaux qui ont la particularité de pouvoir accepter la répétition. Leur qualité commune est de changer d’état par l’accumulation d’un geste entre le moment de la mise en œuvre de la matière jusqu’au moment où le geste est posé. Ainsi, ses pièces en terre ou en plâtre prennent une forme d’arc arrondi lié au geste du bras et marquent des traits systématiques mais irréguliers jouant avec la lumière retenue dans les formes organiques.
Ses dessins sont faits à partir de moments de sa vie où il choisit de dessiner aléatoirement en état de semi-conscience. Il trace des points comme pour retenir la mémoire sismographique de ces expériences. Ce sont des moments-fréquences de vie inscrits sur des feuilles de carnet ou des formats A4. En face, disposées au sol, la série d’assiettes empilées et incisées. Entre les traits sur papier et les incisions circulaires dans la céramique, tout comme pour les fleurissements, le geste répétitif, accumulatif revient inlassablement pour rappeler l’attention à ce que l’on voit.
Table-ronde autour des interventions florales de Geoffroy Mottart dans l’espace public.
Conversation co-animée par Valérie Loiseau (psychanalyste et enseignante), Geoffroy Mottart (artiste et enseignant), Pascale Simonet (psychanalyste et artiste), Luc Stokart (photographe), Pierre Vincke (juriste et écrivain)
Embellissement, provocation, irrévérance, éphémère, art environnemental, espace public, …?
Date: dim.12 nov. à 18h30
Lieu: Espace 001, rue Michel de Ghelderode, 1- 1348 Louvain-la-Neuve
ELISE LEBOUTTE
Du 17 septembre au 08 octobre 2033
Les peintures d’Elise Leboutte (née à Dinant en 1984, vit et travaille à Bruxelles) sont faites d’émulations lumineuses, de séquences méditatives où l’ombre et la lumière se confondent, reflétant sa fascination pour le caractère éphémère de celles-ci et leurs variantes subtiles au travers de la couleur, mais aussi l’ambiance et l’espace, les frontières et les surfaces.
Cette exposition tente de créer une poétique du lieu par les peintures, elle invite le spectateur à observer attentivement l’espace et la lumière d’un lieu à travers les oeuvres.
Inspirée par espace 001, elle reprend les ombres dessinées sur les murs et sur les sols, dans un mouvement oscillant entre extérieur-intérieur, ombre et lumière, qu’elle a photographié dans un premier temps et peint ensuite à l’acrylique sur toile, avec des glacis qui laissent la lumière apparaître en douceur, toujours suggérée, avec des effets produits par le jeu des recouvrements de la peinture. Les voilures de teintes appauvries recouvrent les fonds colorés, révélant la lumière qui semble venir directement du tableau.
Les photographies modifiées sur Photoshop permettent de dégager les zones sombres et claires, et sont recadrées pour faire ressortir un détail ou dissiper une forme. Ce passage par la photographie et le dessin aussi permet de fixer l’apparence de la lumière dans l’instant pour ensuite la transposer dans ses peintures. La peinture va permettre de déployer une image, de rendre visible cette lumière, diffuse dans ses vibrations, qui émane des différentes étapes d’un processus technique lent et consciencieux.
Les halos suggèrent parfois des éclairages de nuit, des lueurs filtrées, clartés floutées, ellipses qui rappellent des sensations éphémères.
Tout cela confère une présence physique forte à ses peintures qui captent quelque chose de fugitif de la lumière qui se frotte aux surfaces et donnent à voir cette perspective évanescente. Elise Leboutte ne peint pas seulement la lumière, elle y est pleinement engagée.
Ela Stasiuk
Du 25 juin au 16 juillet 2023
Ela Stasiuk (née en Pologne, vit et travaille à Bxl), présente une exposition entre images peintes, abstraites et images photographiques, principalement des portraits.
Fait de taches et de masses fluides, d’accidents provoqués par les coulées et interactions des couleurs mêlées aux transparences qui se répandent en murmurations sur la toile, son monde imaginaire est là, de réactions instinctives aux couleurs, distillant de nouveaux espaces lumineux. Avec une technique acrylique empruntée à l’aquarelle et au dripping, Ela Stasiuk crée des champs chromatiques harmonieux, des espaces qui ouvrent des dimensions rêvées, convoquées par les couleurs et les voiles successifs que créent des formes plus ou moins denses qui se fondent en mouvements lents.
Il y a dans ses oeuvres peintes et photographiques quelque chose du dévoilement; les formes et les sujets mis à nus apparaissent, mais ne sont jamais tout à fait visibles en même temps, dans un jeu subtile qui alterne avec l’effacement.
Les regards sont dissimulés ou détournés de l’attention vers l’objectif de la caméra, se perdent dans les couleurs vives d’éléments végétaux portés par les sujets, comme des coiffes ou des masques organiques pour mieux se fondre à cet environnement créé qui absorbe et ré-enchante. Un espace figuré, vision fictive dans le vivant, un paysage, une nature où il ferait mieux vivre. Dans ses images construites et ses autoportraits, sériels et scénographiés, les regards sont fixes, méditatifs, voire les yeux fermés. Les sujets semblent figés dans cet instant de la composition, dans leur apparence, absorbés à ce que eux seuls semblent percevoir, à la fois présents et absents, ils nous invitent à sentir cet ailleurs que les formes, couleurs et éléments réunis instantanément nous révèlent avant leur disparition.
Des chorégraphies accompagnent certaines séries chromatiques liées aux saisons et leurs couleurs; entre fonds, corps et danse, un mouvement de va-et-vient des formes se recréé en continu entre l’artiste et le monde.
Justine Van Impe
Du 14 mai au 11 juin 2023
Justine Van Impe fabrique des œuvres textiles tridimensionnelles à mi-chemin entre la sculpture et l’installation paysagée. Fascinée par l’art topiaire, cet art du paysage basé sur la taille sculpturale souvent architecturée de végétaux dans les jardins paysagés, elle sculpte des pompons à la manière des arbustes. La densité des volumes définis, les silhouettes aux formes arrondies participent à un univers enjoué, créant son propre jardin ouvragé donnant des formes diverses qui laissent place à l’imaginaire du spectateur. Avec des dégradés de couleurs contrastées ou simplement unies mais qui ne sont jamais effets du hasard, Il y a une forme de radicalité gestuelle de la découpe et de la taille du textile, extrêmement précises.
Il y a aussi une grande oeuvre tissée, issue de la tapisserie, dans la technique et par sa taille. « Cette oeuvre évoque un paysage imaginaire, fait de mouvements, de liberté, de courbes, de reliefs conjuguant textures poilues, taillées, coupées et tondues. Le dégradé constant des couleurs résonne avec la plastique de l’œuvre et la dynamise » J.Van Impe
Celle-ci garde toutefois une certaine ambivalence, à la fois entre l’image et le sculptural, le monumental et le plaisir tactile, mais aussi entre le traditionnel et le contemporain. Les formes oscillent entre la tradition du tissage classique et des techniques contemporaines qu’elle crée; Tissé au point tapis, et sur le principe de la chaîne apparente, elle garde les bords en coton pour créer des masses qui tiennent, et qui sont ensuite taillées. Justine Van Impe explore sans cesse des techniques anciennes qu’elle actualise dans les volumes qu’elle crée à partir de la bidimentionnalité du tissage. Tisser, couper, tailler, égaliser, ces gestes infiniment répétés qui l’unissent au vivant.
Petra Vanwichelen
Du 25 mars au 23 avril 2023
Pétra Vanwichelen présente à l’espace 001 une exposition personnelle où elle mêle dessin et textile. Elle transforme des matières textiles en formes organiques flottantes et légères. Son oeuvre oscille entre les matières façonnées et déformées et l’immatériel convoqué par l’éphémère. Elle explore la mémoire individuelle et collective. Les matériaux utilisés dépendent d’un choix conceptuel et du sujet: coton, laine, lin pour le textile et fusain, encre pour le dessin sur papier. Il y a toujours une interaction entre le matériau et le sujet. La matière douce est une référence au passé, à l’artisanat; Elle est aussi point de départ, le textile trouve ensuite sa propre voie et permet des résultats inattendus.
Les petites œuvres sont des lieux de repos et les dessins sur papier annoncent les suivantes. Des liens qui rehaussent l’importance du « faire » et qui permettent de tenir « quelque chose ». Pétra décontextualise des phrases, des mots crochetés deviennent illisibles dans le processus qu’elle met en lien avec la perte de l’usage du langage. Des branchages, des racines tentaculaires prennent forme sur le papier, tout un travail organique s’opère entre ses oeuvres comme une longue suite qui se suffit à elle-même.
La recherche d’équilibre, la création de liens et l’utilisation du fil rouge dans son travail est intuitive, elle est métaphore et usage. Elle va et vient du textile au dessin comme à la peinture, le tout formant une oeuvre d’une grande unité, cohérente et organique qui suscite tout notre imaginaire.
Pierre Toby
Le 11 mars 2023
(extraits), carnet brun
L’idée qui guide sa proposition est de créer une succession d’expositions fragmentaires dans differents lieux pour élaborer une réflexion quant à la peinture dans l’espace. Pierre est peintre et ce qui l’intéresse c’est la peinture dans sa relation à l’espace. L’appréhension formelle de l’espace est une dimension centrale de son travail, pour lui il s’agit d’activer un élémént, une forme, un mot…et la possiblité de son exposition dans celui-ci.
Un morceau d’arbre qui gravite au mur …Une grande feuille de papier avec une image et du texte, en suspension au centre du mur de la galerie et des textes sur papiers sont disposés au sol, le tout donnant lieu à une fresque. on est invité à déambuler parmi les mots et l’abstraction des images rendues abstraites, prenant place au sol et au mur. C’est un langage idéel et poétique en prise avec l’espace de la peinture qui se crée, qui s’élabore. Au final des extraits sont imprimés, en édition limitée numérotée et signée, et une seconde édition, à grand tirage, en format pdf avec certificat.
Martin Chaumont
Du 5 février au 5 mars 2023
Sur le Qui-Vive
Le titre de cette exposition nous invite à entrer dans cet état d’extrême attention à ce qui peut survenir. La peinture offre cette extraordinaire opportunité à Martin Chaumont (né à Liège, 1993) de s’approprier cette expression qui l’anime pour créer.
A l’affut d’images qui l’entourent pour trouver des motifs à peindre, le long de ses promenades à vélo ou sur les cimes d’horizons nocturnes et des astres qu’il capte en mouvements lents, presque à l’arrêt, Martin Chaumont traque ces images de la nature pour en révéler sa propre conception. De la réalité des paysages et des sous-bois qu’il traverse à toute allure, qu’il traduit avec des flous et des visions fragmentées, ou des images peintes de phénomènes lumineux qu’il invente ou recrée, peut survenir à tout moment quelque chose d’inattendu.
Dans des mouvements figés dans l’espace, les feuilles d’arbres mortes nous surprennent, immobiles et graves. Ses toiles sont des successions de moments silencieux, habités par les ossatures des arbres qui invitent le doute et l’imaginaire à opérer, par des choix de cadrages agrandis, désaxés menant à une forme d’abstraction. A travers ces observations, il questionne l’image dans le « presque rien ». Il gomme parfois une partie du motif des branchages d’un arbre ou fait un close-up dans les lumières hivernales qui se renouvellent avec les séries. Il utilise des couleurs terriennes, appauvries, presque dormantes. Mais le mouvement, la vibration de l’air sont les sources de ses grandes peintures que rien ne semble perturber.
Sur le qui-vive, c’est être dans cette attention inaltérable, précise que requiert la peinture par le regard, en suspens entre mémoire et imaginaire. C’est rechercher constamment une force picturale par la sobriété d’une composition, pour en extraire une forme contemplative, voire énigmatique. C’est saisir les moindres nuances de couleurs sur la toile, tout comme ses tonalités. Peindre et donner à voir le vivant pour résister avec lui. Là est l’événement latent que l’on guète.
justine Englebert
Du 20 octobre au 20 novembre 2022
Justine Englebert, jeune artiste issue de l’atelier de dessin de l’Académie Royale des Beaux-Arts à Liège, diplômée en 2022, présente une exposition autour de la ligne et de la couleur, éléments centraux de sa démarche actuelle.
Instinctif, ce travail se révèle par le choix de couleurs intenses et de lignes rapprochées. Ses dessins aux crayons de couleurs créent des rythmes et grouillent dans des directions qui se croisent, provoquent des intersections aux tonalités nouvelles qui peuvent parfois perturber la rétine du spectateur. La rigueur, les détails, la minutie sont des éléments importants même s’ils restent imprécis.
Sans intentions préalables, seules les lignes et les couleurs viennent répondre au fur et à mesure aux vides pour créer des dessins de formats variables, toujours saturés de faisceaux lumineux générant des dimensions dynamiques par associations et superpositions de couleurs, oscillant avec les transparences. Il y a aussi les dessins aux pastels, plus aériens par moment, plus saturés aussi. Ensuite mis en espace, les dessins forment de nouvelles configurations qui jouent avec les plans, les lignes et l’espace dans lequel ils s’inscrivent.
Cécile Ahn
Du 17 septembre au 09 octobre 2022
Pour cette première exposition à la nouvelle adresse d’espace 001 et qui répond à la thématique «métamorphoses» du parcours d’artistes de LLN fin septembre, Cécile Ahn présente un ensemble d’œuvres de petits et moyens formats émanant de papiers imprimés, récupérés: journaux, magazines, publicités toutes-boîtes, papiers d’emballage de boucherie ou de chicons que l’on jette souvent après usage unique. Des papiers sans valeur qui subissent une série de métamorphoses: l’artiste se les approprie et leur fait vivre des manipulations sophistiquées, des torsions qui donnent cette dimension de légèreté organique convoquée en combinaison avec le maillage.
D’abord, elle collecte les papiers, les défait par des découpes, fabrique des fils torsadés en bobines avant de les tricoter, tisser ou crocheter. Elle crée ainsi des toiles ou des filets de mailles souples constituées par l’accumulation de boucles. Les gestes lents et répétitifs finissent par révéler la beauté de ce matériau ordinaire. Parfois elle choisit de leur donner une apparence extensible par les mailles, d’autres font penser à des étoffes tissées, plus serrées, dont les fils s’entrecroisent dans plusieurs directions. Les œuvres peuvent être tendues sur châssis ou libres et souples dans leur apparence textile ou encore en volumes.
Les motifs tendent à une certaine géométrie de couleurs mêlées de gris d’écritures rendues illisibles par les différentes manipulations du papier.
Ses tissages révèlent les couleurs et variations imprimées qui s’exhibent dans les métamorphoses successives des papiers. Comme Pénélope, Cécile Ahn défait le papier et le tisse. Concevant sa démarche comme une longue épreuve de patience, consistant à « faire semblant de » tisser tout-en-donnant forme au papier usagé.
Nathalie Dandoy
Du 11 juin au 3 juillet 2022
La terre est bleue comme une orange. P. Eluard
Faits de fines trames de couleurs qui se déclinent, les dessins à l’encre de Nathalie Dandoy nous plongent dans des immensités chromatiques.
De gauche à droite, elle réitère le geste jusqu’à épuisement de l’encre sur son fin pinceau et les traits s’arrêtent, puis reprennent gorgés d’encre, avec des infimes nuances pour combler le vide…et se voient recouverts de nouveaux traits qui se succèdent. Les dimensions chromatiques changeantes se mélangent à l’horizon des petits trais à l’infini. Certains sont rangés, d’autres tendent au chaos mais toujours gardent cette régularité de rythme. Ils sont accompagnés de mots, de pensées écrites, expressions de doutes, de vulnérabilités, qui font partie du dessin. Avec des gestes concis, simples et précis, les mouvements infimes se déploient sur les papiers.
Ces aplats de lignes successives se font parfois à l’aveugle, prises dans une temporalité qui tient au remplissage de la feuille, sur des longueurs de papier variables que l’artiste déroule au fur-et-à mesure. Elle les ré-enroule ensuite, car le dessin ne tiendrait pas tout entier sur sa table, de sorte qu’elle ne voit le résultat final de ses compositions qu’une fois terminé, accroché aux murs.
L’artiste se nourrit de podcasts, d’émissions culturelles, des pensées récoltées dans ses carnets ou de longs silences méditatifs au cours desquels le geste s’applique à la couleur de sources d’inspirations variées. Il y a aussi les couleurs des vignes à l’automne lors de sa résidence en Bourgogne ou des paysages des Fagnes, des études autour de maîtres de la peinture comme Spilliaert ou van Gogh. Des petits formats, séries quotidiennes qui s’exécutent directement dans des lieux publics, des cafés ou autour du lac.
Les all over de Nathalie Dandoy sont éminemment patients, méditatifs, en quête incommensurable de liberté .
« La terre est bleue comme une orange », poétique qui traverse de long en large sa démarche, vers la beauté, miroir de l’univers, de l’instant qui est trait, union dans le regard des infinies répétitions de gestes qui nous renvoient aux mystères qui habitent le monde. Dans ses dessins comme chez Éluard, la terre est céleste.
Emmanuel Kervyn
Du 24 avril au 22 mai 2022
Pour cette première exposition personnelle à l’espace 001, Emmanuel Kervyn, présente un ensemble d’oeuvres dans une dualité papier/métal, une série de pièces qui se situent aux seuils de la lisibilité. Opérant des découpes et des incisions géométriques, au caractère souvent graphique, un alphabet imaginé par des segments tranchés dans le papier, des formes et des trames dans les filets des treillis découpés du métal.
L’oeil est constamment sollicité par des jeux optiques: les papiers incisés, la feuille de plomb ou les treillis découpés révèlent sans cesse de nouvelles formes. Les oeuvres oscillent entre mouvements alternés de noirs et blancs, de lumière et de vibrations.
Alphabets manquants, espaces, signes abstraits prennent forme au rythme de découpes minutieuses. Les dessins au marqueur sur papier faits de traits répétitifs s’entre-lassent, les tensions des vides, des incisions géométriques sur les surfaces créent des conditions poétiques renouvelées.
Il y a aussi des volumes faits de compressions de boulettes chiffonnées, insoumises et rebelles au format qui leur a été imposé pour faciliter la lecture d’un roman. L’idée d’une dématérialisation de l’objet par le geste; C’est le volume de pages déchirées et chiffonnées de ce que représenterait le contenu de ce livre qui s’offre à nos yeux et non son sens.
Avec les sculptures sur socle à partir d’une ramette DIN A4, volume de papier bien pratique qui structure nos modes de communication standardisés, Emmanuel Kervyn pousse au paroxysme cette rébellion de feuilles A4 et en nie toute utilité pour l’ériger au statut de sculpture en marbre blanc ou en papier chiffonné.
Relieur de profession, Emmanuel Kervyn est intéressé par la nature visuelle et graphique des matériaux existant dans leur apparence ordinaire. Il s’approprie cette matérialité pour explorer au- delà de l’utilité et peut-être lui redonner sens. Il accomplit des gestes répétitifs et précis pour trouver une forme de troisième dimension. Sa démarche idéelle repose sur l’observation, sur des jeux de langage, de formes et de constructions sémantiques, dans un va-et-vient du réel à l’imaginaire.
Virginie de Limbourg
Du 5 mars au 10 avril 2022
Pour cette première exposition personnelle à l’espace 001, Virginie de Limbourg (1975, vit à Louvain-La-Neuve) montre des dessins sur papiers japon, support qu’elle affectionne pour sa malléabilité et finesse. Avec des gestes ancrés, répétitifs, instinctifs, elle crée à partir d’un souffle toute une géographie de dessins abstraits faits de chiffonnages, de trames de couleurs, de gestes rituels et méditatifs mêlant des points scintillants à l’infini.
C’est le temps capté sur papier de tout un biotope qu’elle restitue, d’un processus organique, des changements imperceptibles du temps, des lueurs qui émanent des pigments sur le papier lui-même recouvert de nombreuses couches d’encre, de pastels gras, d’aquarelle et gouache. Certaines oeuvres, sous l’effet de ces couches de couleurs sont des aplats aux nuances nacrées, dorées qui font penser à des tapisseries, des tôles ou des continents éclatés. Ces surfaces légères expirent l’intériorité organique des matériaux altérés créant un sentiment d’infini. D’autres sont des ėcrins faits de plis qui reflètent la lumière en trois dimensions. Directs, ces dessins se révèlent d’une constante productivité et des métamorphoses qui en résultent, à l’instar du vivant.
Vincent Delpierre
Du 13 novembre au 19 décembre 2021
VARIATIONS
Vincent Delpierre ( né à Charleroi en 1964 , vit et travaille à Sart-Dames-Avelines ) puise son inspiration dans les jardins et son environnement direct. Il écoute aussi musique 3. Cette exposition évoque les variations GOLBERG de J.S. BACH, une musique qui part d’un même thème, qui se développe et revient au point de départ.
Les même thèmes suivent un grand cycle au fil des saisons et s’inscrivent dans une évolution permanente. Vincent Delpierre convoque des formes librement choisies, des couleurs harmonieuses, des aplats lumineux, recrée à partir d’éléments existants, mêlés à des motifs géométriques et graphiques, des champs colorés, structurés de trames et de constructions qui se superposent, pochoirs, jeux de surfaces, couleurs, lignes. Des citations de la peinture ancienne sont fréquentes parmi des architectures de couleurs, ces motifs passent d’une série à l’autre et se renouvellent.
Ses oeuvres, rythmées en séries par les saisons et le temps, se jouent des couleurs et matières. La brillance de l’huile alterne avec la matité de la peinture acrylique. Les superpositions et structures abstraites marquent la métamorphose de lieux, l’organisation des éléments, d’espaces végétaux ou architecturés qui se fondent, de paysages picturaux empruntés d’un monde enfantin convié par le coloriage. Par ces combinaisons joyeuses qu’il décline également dans des dessins au crayon, il témoigne une recherche d’équilibre constante entre le monde naturel qui l’inspire et sa pratique picturale.
Roby Comblain
Du 11 septembre au 23 octobre 2021
KERN
Roby Comblain active, déplace, assemble, amasse des scénolinos sur le sol de l’espace d’exposition. Volumes, papiers griffés, gravés, chiffonnés semblent résister à la pesanteur.
Horizons de volumes aux lignes dont les trajectoires se croisent et s’embrassent; de l’horizontalité à la verticalité de l’empilement par le geste, la main de celui qui passe par là; Kern marque la présence de l’artiste, du montagnard, du visiteur, le repère qui permet de continuer le chemin et revenir sur ses pas.
Une attention particulière est donnée à la présence de l’être dans le paysage qui s’inscrit dans cet espace-temps, invitant le visiteur à créer librement la suite du parcours pour se trouver plus loin face à d’autres oeuvres…. encrages de noirs, multiples de transparences, imprimés, pliages, cahiers d’écoliers. Roby Comblain déplace la gravure hors de son cadre traditionnel et modifie notre perception de celle-ci. Froissements et pliages du papier, empreintes monochromes sur bois, géométries de gris délavés constituent l’essentiel du vocabulaire de l’artiste ces dernières années.
Pour cette exposition à l’espace 001, sont montrées plusieurs œuvres récentes dont les cahiers d’écoliers réalisés pendant les derniers mois de confinement, petits scénolinos, impressions aux géométries bidimentionnelles.
Un article dans Actuel, revue d’estampe contemporaine, est publié à l’occasion de cette exposition avec des textes de Jacques Vandenschrik dans le numéro de septembre 2021.
Roby Comblain est belge, né en 1955 à Bujumbura, au Burundi. Il est plasticien et scénographe.
F/S #4
Du 29 mai au 04 juillet 2021
Laurence Demaret
Sophie Oldenhove
Jacqueline Stokart
Quatrième volet d’exposition consacrée au féminin/ sacré; une immersion dans le corps, la cellule, la matrice féminine, les organes féminins, qui nous amènent de la manière la plus directe et proche de nous-même à ce mystère, ce noyau capable de donner vie, essence même du féminin / sacré.
Laurence Demaret présente une installation vidéo et une série de pièces en céramique aux couleurs naturelles et multiples comme celles des peaux qui sont réunies sur un support. Révélées par lignes végétales, les formes se sont transformées en vulve (appareil génital féminin externe) pour au final évoquer les formes des coquillages liés à la fécondité et à la vie originelle. Chacune des pièces est unique et l’ensemble forme un hommage à la femme dans toutes ses variations à travers le temps et l’espace. Une vidéo est projetée dans l’espace et plonge le visiteur dans le mouvement perpétuel des vagues. Cette image reliée à la lune et au cycle de la femme, par sa couleur rouge exprime la puissance de la vie.
Récemment, Sophie Oldenhove part de son expérience de menstruations pour collecter une encre intime, qu’elle utilise pour dessiner sur papier des formes liées à la féminité, à la nature, à la matrice, source de vie. Des plongées dans l’intime. Ses dessins sont comme des couches successives, des membranes superposées. Elle a aussi réalisé un cocon en bois, sorte de matrice enveloppante dans lequel on peut se lover ou sur lequel s’assoir. « Un espace intérieur à protéger, un refuge, une grotte, une enveloppe, un abri, un nid, une zone, une alcôve, un repaire, un intérieur, un chez moi, mon espace, mon utérus, ma bulle » Sophie Oldenhove
Jacqueline Stokart attirée par le trait, que se soit dans ses installations, ses dessins, fait des liens; pour ce projet sur le féminin/sacré, elle présente une installation murale, un blob, espèce d’organisme unicellulaire et des dessins au fusain, graphite et aquarelle autour de la cellule, l’élément de base composant tous les êtres vivants. La cellule plus petite source de vie, désigne un territoire limité par une membrane et éventuellement entourée par une paroi, ce concept l’intéresse biologiquement mais aussi humainement parlant. Il sert de prétexte à une recherche qui a pris plusieurs formes plastiques. Jacqueline Stokart propose une approche du corps dans son organicité, comme un lieu sans conscience perturbée par la culture, libre de tout cliché, juste dans la pulsion première de vie. « Un ultime lieu de liberté dans lequel la forme de la cellule, le noyau, la membrane qui la cerne, la démultiplication, et son éclatement, libère de la représentation de la féminité idéalisée. La cellule comme un lieu qui n’est ni masculin ni féminin mais bien un espace de retranchement dans lequel ce n’est plus le masculin qui crée ; la cellule devenant alors un espace privé à partir duquel le féminin s’invente et se crée » J. Stokart.
F/S #3
Du 18 avril au 15 mai 2021
Virginie de Limbourg
Sarah Behets
Esther de Patoul
Trois artistes réunies, issues de l’atelier de dessin de Lucien Massaert. Trois artistes qui ont développé avec les années des démarches qui s’émancipent de l’atelier du maître avec liberté, légèreté, délicatesse et poésie.
Virginie de Limbourg s’est posé la question du féminin/sacré face aux aléas du confinement, comme une question nécessaire, sacrée presque, en cette période que nous traversons tous actuellement. Le geste quotidien est souvent minimisé, sans valeur, désacralisé, et pourtant c’est à ce quotidien et ces gestes répétitifs que nous nous accrochons. Chez elle, le geste répétitif est central. Ses oeuvres sont faites de points à l’infini et forment un tout, hypnotique, scintillant dans ses profondeurs, quelque chose de sacré. Associé à la répétition de points, à des associations de couleurs dorées, nacrées, au pliage du papier amplement recouvert de teintes aux reflets variant dans les plis, peut-être déposé sur un fil, à la manière du linge. C’est aussi l’origami qui crée le cerf-volant qui s’envole, loin à l’infini, le geste répétitif qui voyage léger par la suite. Un pli écarté ou cousu, maintenu, génère aussi quelque chose de précieux; un carnet ouvert dans lequel certains dessins peuvent faire penser à l’ornement, la coiffe, un bijou, un écrin. Elle plie et coupe délicatement ses dessins sur papier japon comme des noeuds, sans intention comme pour un patron (dans la couture), seule la main guide le geste. Liberté du geste dans sa souplesse, que l’on retrouve dans ses collages, puis la couture répare, réorganise, ré-invente, propose une lecture nouvelle, et une métamorphose s’opère.
Esther de Patoul met un voile sur l’intime. Pour elle, le féminin/ sacré part de l’intérieur, de notre connexion terrestre, nos racines. Elle utilise la photo, le dessin et le batik pour aborder simultanément l’être voilé/dévoilé. Empreintes de tissus et immersions de papiers dans les teintures ou l’encre de chine. Le batik, technique traditionnelle, s’obtient avec la cire ou la paraffine chauffées, appliquées sur du tissu, immergé ensuite dans des teintures. Les tissus s’effilent durant des heures avant de les poser sur des surfaces papier. Les gestes sont guidés par l’impulsion ou la retenue d’un souffle. L’essence de sa démarche est l’intuition, l’inspiration et l’intimité. C’est un travail d’ancrage, sur les racines, par l’appropriation de gestes traditionnels, un savoir-faire transmis. Les photos sont des instants qu’elle a voulu capter dans les gestes simples et répétitifs avec les tissus défilés qu’elle plonge ensuite dans des liquides.
Sarah Behets travaille actuellement la gravure, bien que sa démarche initiale parte du dessin sur papier. Chez elle, on trouve une absence-présence des images imprimées mises en œuvre; oscillations, jeux subtils de mouvements de l’image, modulations de l’empreinte. Entre légèreté et gravité, l’univers qu’elle crée est fait de flous, de vibrations, de minces déplacements qui créent des espaces entre qui se font échos. Ces formes activent et concrétisent l’espace, avec des équilibres à trouver. Leur dimension vibratoire est de nature à rejoindre le sacré en tant que souffle de vie, respiration, dans les interstices.
F/ S #1
du 24 octobre au 15 février 2021
Diana Acosta, Benoît Félix, Anne-Sophie Georges
Pour ce premier volet d’expositions F/S, sont réunis trois artistes qui ont répondus de manière très différentes à la proposition. La jeune artiste Diana Acosta questionne l’acte artistique et le rôle de l’artiste, dans une vidéo où elle se met en scène en pleine crise mondiale de Corona virus. Face à elle, la pratique minutieuse, inlassable, de broderie que présente Anne-Sophie Georges. L’une questionne le rôle de la pratique artistique sans arriver à une réponse absolue, l’autre profite de l’occasion du lockdown pour broder de plus belle. Benoît Félix joue sur l’illusion de l’image, de l’objet montré comme support de sa propre monstration. Ce ne sont pas à proprement parlé des poils ou des fils et pourtant ses oeuvres nous ramènent visiblement à des toisons ou ces zones intimes, presque taboues et dans ce même temps aux normes visuelles et corporelles que nous inflige un regard orienté par des standards dictés par les normes esthétiques dominantes du corps. Les dessins coupés au cutter amènent la possibilité de l’abstraction poétique du corps qui est omniprésent dans toute la démarche de l’artiste, ils deviennent volumes, « incarnés » dans l’espace. Légèreté du trait tiré de bout en bout face à des dessins de formats carrés (Anne-Sophie Georges) qui tendent à s’effacer, évidés par la broderie (sans fil) et qui peuvent faire penser aux reliefs de cartographies imaginaires, ou à des textures minérales. Avec la vidéo de Diana et sa voie suave, on est continuellement appelé dans cette tension palpable à se demander quel est l’impact de ces pratiques, de nos pratiques quotidiennes ? Ces œuvres ne renvoient-elles pas à leur manière à nous demander de repenser une forme d’équilibre; cette intériorité fragile, enfouie, ne serait-elle pas à revisiter? Ce qui tient à un fil aujourd’hui peut être actualisé à travers des rituels ancestraux, comme le rituel du thé de valériane ou le rituel de création artistique car il donne l’occasion au magique d’opérer avec toute sa force.
Du 12 Septembre au 10 octobre 2020
EN DEÇÀ ET PAR DELÀ
Gaspard CATTEAU & Brieuc DUFOUR
Du 7 mars au 4 avril 2020
BIVOUAC
DU 10 novembre au 14 décembre 2019
DESSINS EMPREINTES IMMERSIONS
Expo inaugurale
Du 21 septembre au 10 octobre 2019
JEAN BERNAUX
FILIPE COURBOIS
LAURE LERNOUX
ESTHER DE PATOUL
